¿Por qué el Cómics? (Parte 2)

"Nosotros los humanos somos una raza egocéntrica".

En el post anterior hablé sobre algunas consideraciones antes de hacer el blog y las razones personales para comenzar con este tema. Pero, ¿qué otra justificación puede haber para trabajar con el Cómics? ¿Existe alguna teoría qué explique por qué el Cómics es un medio único? ¿Cómo el Cómics puede ser útil al educar o motivar?

Cualquiera que tome un cómic (o novela gráfica, o historieta, en su defecto), podría hacer una simple observación con tan solo mirar el objeto: se cuenta una historia a través de imágenes y palabras. A pesar de que la definición de Cómics abarca mucho más que estos dos elementos, es importante rescatarlo como parte de su lenguaje propio. Lo que algún día fue catalogado como un medio para niños y adolescentes hoy cobra más validez, pues genera una sinergia interesante en una sociedad dominada por la imagen. Ferres, en su libro Educar en una Cultura del Espectáculo (2000), se refiere a la obsesión con la tecnología que domina ciertos sectores de la educación, y frente a esto, entre otras cosas, propone a la palabra hablada o escrita como una herramienta que ayude a los procesos de análisis, de abstracción y conceptualización, aparte de mencionar su capacidad motivadora. El Cómics, al juntar palabra e imagen se presenta como un medio atractivo, pero a la vez capaz de generar procesos cognitivos complejos. 

Scott McCloud, denominado el McLuhan de los Cómics, va más allá de la simple observación de palabra e imagen en su obra Understanding Comics (1994), donde teoriza de forma visualmente didáctica, a través del mismo Cómics,  sobre un medio que finalmente define como “arte secuencial” (o si se quiere una definición más precisa “imágenes pictóricas y de otros tipos yuxtapuestas y ordenadas en una secuencia deliberada). Con esta definición como base, McCloud explora los orígenes del Cómics, que de hecho datan desde mucho antes que el Yellow Kid, y lo compara con otros medios, como el cine, o los libros, resaltando siempre el lenguaje propio del Cómics. Es este mismo lenguaje, el que por sus características, se hace apropiado para utilizarse con jóvenes y niños en un proceso educativo.

McCloud habla de cómo todo cómic utiliza al menos un cierto grado de abstracción en sus imágenes, es decir, un alejamiento de los referentes reales, yendo hacia un lenguaje icónico, a través del cual podemos distinguir ciertos rasgos humanos en una caricatura hecha con un circulo, dos puntos como ojos, y una línea como una boca, por ejemplo. Según McCloud, esta abstracción hace que las personas, y especialmente los más jóvenes logren identificarse con los personajes, y “completarlos” en base a sus propias experiencias. Esto se ve demostrado en dos novelas gráficas que han sido valoradas por el público y la crítica: Maus de Art Spiegelman y Persépolis de Marjane Satrapi, ambas con dibujos característicamente icónicos (caricaturescos), y que en base a aquello logran contar historias socialmente cargadas, llenas de emotividad y drama humano, con cuyos protagonistas el lector se puede sentir fácilmente identificado. Con esto quiero decir que no porque un cómic parezca simple en sus dibujos, lo será también en su contenido narrativo o emocional.

La abstracción del Cómics

Otro aspecto digno de rescatar de la teorización de McCloud es lo que él llama “closure”, que se define como nuestra habilidad humana de percibir un “todo” al observar sus partes, por ejemplo, como cuando vemos a una persona con gafas de sol y asumimos que detrás de los lentes se encuentran sus ojos, completando la imagen en nuestra mente. Para McCloud, el Cómics es uno de los medios que más saca provecho de este concepto, pues entre cada barra que separa dos paneles de un cómic, el lector debe “completar” el eslabón faltante de la acción, haciéndolo partícipe como ningún otro medio.

El "closure" está representado por la barra que separa ambos paneles, haciendo que nosotros completemos mentalmente la narración.

El nivel de abstracción de los Cómics, y su capacidad de inducir a un “closure” son solo dos características que indican que este medio podría generar un lazo diferente a otros medios  con niños y jóvenes. En este sentido, la participación del lector es clave, pues no solo se busca contar una historia, sino que también provocar un placer estético, generar identificación, y finalmente emocionar. Y es aquí donde la palabra Arte comienza a cobrar sentido para los Cómics. El balance entre la palabra y la imagen, y la manera en que ambas se utilicen en conjunto puede otorgarle un valor artístico al Cómic, pues afectará la narración dependiendo de los deseos del autor, es decir, de su voz. Respecto de esto McCloud señala que el Cómics es uno de los pocos medios que da valor a la voz individual, dado que la creación de un cómic se produce de “mano a ojo”, alejada –dentro de lo posible, y más que otros medios como la televisión o el cine- de la esfera económica, donde las grandes corporaciones tienen generalmente la última palabra sobre lo que se produce o no en una sociedad de la información. El Cómics puede bien representar una voz alternativa, lejos del mainstream, desde la cual se puede aprender sin someterse a los discursos dominantes del mundo moderno, o bien por otro lado, puede ser objeto de un pensamiento crítico y resistencia por parte de niños y jóvenes al observar cómo se reproducen estereotipos y maneras de ver el mundo en los cómics más tradicionales.

Finalmente, respecto de Understanding Comics, de McCloud, pienso que podría ser un buen punto de partida no sólo para quien busca estudiar el medio, sino también para niños o jóvenes a los que se les quiera motivar o enseñar a través de él, o que quieran disfrutar de los cómics por cuenta propia. El material que contiene el libro es sin duda fundamental para formar sujetos alfabetizados mediáticamente sobre los cómics en general; saber qué signos utilizan y cómo funciona su lenguaje es el primer paso para entenderlos,  para así poder luego apreciarlos, y finalmente ser críticos sobre ellos.